Cartel Nostalgia

Aventura para dos/Spanish affair

2010-09-21T03:38:00.000-07:00

Los amores de Carmen

Carteles de una película que, por su rareza más que por sus cualidades, vale la pena traer al recuerdo. Hablamos de Aventura para dos (Spanish Affair), dirigida en 1957 por Don Siegel. No sé muy bien qué motivos llevaron al director de Harry el sucio a comprometerse con un guión que nada tenía que ver con su cine. Quizás la necesidad de ganar dinero y agenciarse de paso unas vacaciones en la exótica España de de aquellos años.

El argumento hubiera encajado como anillo al dedo de un Jean Negulesco, por ejemplo, que por esos años recorría Europa paseando y haciendo ligar a bellas muchas y apuestos caballeros americanos con nativos y nativas del Viejo Continente. Jessica, Tres monedas en la fuente/Creemos en el amor, En busca del amor… eran películas que estaban dirigidas por el director de Mujeres frente al amor (ay, Negulesco…) con bastante más soltura y encanto que esta anodina, cuando no lamentable, Aventura para dos, cuyo título americano hubiera sido mejor traducido como “Ligando en España”, por ejemplo.

Un arquitecto americano llega a España para trabajar en la construcción de un complejo urbanístico en los primeros años del desarrollo turístico y económico nacional. Como no habla español, contrata a una pizpireta gitanilla para que le enseñe el país, le cante y le baile, y sueltes los inevitables ¡ozú, mi arma!, ¡chiquiyo, que en España las mujeres somos mu decente!, y perlas por el estilo. El problema a tanto coqueteo lo pondrá el novio de la muchacha, un gitano machista y celoso que los sigue por todas partes jodiéndoles el paseo por los más bellos monumentos españoles... y creando una intriga cuasi policiaca.

Se dice que, Siegel, aficionado en demasía a empinar el codo, provocó con su desinterés que los productores contrataran a un director español para que le ayudara a llevar a buen puerto su aventura en España. El elegido fue Luis Marquina, especialista en el tema, que aparece sin acreditar en los títulos.

La película no sirvió para que Carmen Sevilla se abriera por fin camino en Hollywood, algo que intentó en más de una ocasión: Las cosas estaban difíciles allí para las españolas que, entre otras limitaciones, tenían la más grande: ninguna hablaba inglés.

Eso sí, Carmen Sevilla, en todo su apogeo físico y vital, estaba guapísima tanto cuando se vestía de moderna como cuando sacaba bata de cola y martirizaba al pobre Richard Kelly con sus caracoleos y revueltas y sus pícaras canciones.

Pero en fin, los carteles son preciosos. ¿O no?.

Gilda

2010-08-19T14:34:00.000-07:00

¡¡Vaya gilda!!

Aun consciente de lo poco original que voy a ser poniendo carteles (por primera vez los tres son españoles) y vídeo de Gilda, no me resisto a hacerlo. Gilda es una película que siempre que se hable de ella, o se vea, o se recuerde, jamás dejará indiferente. Dirigida en 1946 por un director artesanal y rutinario que se reveló en estado de gracia, Gilda pasó a la historia del cine como un thriller ejemplar que por sí mismo tiene valores para haberlo conseguido. Pero, además, estaba Rita Hayworth, sensual como pocas veces lo ha estado, o lo estará, una actriz en un determinado papel.

En España, la película se labró su propio mito. Con la censura franquista en todo su apogeo y la Iglesia Católica cortando el bacalao en cuestiones morales, Gilda, o Rita Hayworth, como queramos, revolucionó a los reprimidos españolitos de entonces, que no podían creer que se les permitiera ver a una mujer como Gilda (nunca hubo una como ella, según la famosa y feliz frase publicitaria) lanzándoles un guante desde la pantalla, dejando sus sensual brazo desnudo, la incógnita de si detrás del brazo hubieron otras desnudeces.. y recibiendo un guantazo (mira por dónde) de mucho cuidado.

Estupor en las plateas de los cines que fantasearon con que a continuación del guante, Gilda se lo quitaba… ¡todo! Su nombre ya quedó para siempre en el lenguaje popular como prototipo de mujer fatalmente seductora y, durante mucho tiempo, cuando pasaba una hermosa mujer por delante de donde habían dos o más hombres, el comentario entre ellos era invariablemente… ¡¡vaya gilda!!

Disfrutemos, una vez más, de "Put The Blame On Mame"

El tigre de Esnapur/La tumba india

2010-08-16T14:42:00.000-07:00

La esclava de Shiva

En 1959 Fritz Lang rodó de nuevo en Europa tras una larguísima estancia en Hollywood. Lang tuvo que salir por pies de Alemania en el año 1939 huyendo de Hitler. Se cuenta que el Führer le había echado el ojo para convertirlo en el cineasta del régimen y nada más enterarse el director de Metrópolis hizo la maleta y huyó

Veinte años después rodó en Alemania el díptico El tigre de Esnapur y La tumba india. Dos obras maestras del cine de aventuras, género que abordaba por primera vez, y con las que se despediría del cine para siempre.

Vamos a poner los carteles español, italiano y alemán, de ambas películas, en total, seis. He escogido los que me han parecido más bonitos e ilustrativos. Tres obras maestras del cartel, dignos anunciantes de dos insuperables obras maestras del cine de aventuras, dirigidas por el genial Fritz Lang. El

Los vídeos que se acompañan, de la bellísima Debra Paget, con el sensual baile hindú ante la diosa Shiva, ha quedado y quedará para siempre en la retina de todos los espectadores de todas las generaciones habidas y por haber.

La dolce vita

2010-07-27T14:10:00.000-07:00

Dulce decadencia

En 1960 Fellini escandalizó a medio mundo y admiró al otro medio. Su película La dolce Vita causó una gran conmoción en el festival de Cannes, donde se alzó con la Palma de Oro.

La Iglesia puso el grito en el cielo (dónde, si no) y la calificó de obscena. Muchos países se negaron a estrenarla y, por supuesto, en España estuvo prohibidísima, no ya durante la dictadura, sino que esa prohibición duró hasta 1980, año en que se estrenó en nuestro país. Habían pasado cinco largos años desde la muerte del dictador.

Vamos a poner aquí carteles de España, Italia y Francia y vamos a ver un montaje realizado con una de tantas y tantas secuencias memorables. La música no es la original, pero creo que está muy bien puesta y respeta la duración de la secuencia. Hay algún inserto del personaje de la Sagharina, que pertenece a 8 y 1/2.

Desde luego, la secuencia es un verdadero hallazgo reflejando la decadencia de una sociedad absolutamente idiotizada que se pavonea exhibiendo su decadencia. Abajo Anitona en todo su esplendor.

El coleccionista

2010-07-10T02:58:00.000-07:00

Sólo mía

El coleccionista fue toda una sensación en el cine de mediados de los sesenta. William Wyler sorprendía y asombraba público y crítica con una película que rompía con todos los postulados de su anterior cine.

Cuando ya era directamente tachado de anquilosado y de mantenerse a base de repetir los códigos de un cine ampuloso, afectado y de acartonada espectacularidad, todo anticuado y “pasada de moda”, irrumpe en el Festival de Cannes con El coleccionista.

Demostró que podía hacer un cine “moderno” y que era capaza de codearse con los mejores cultivadores del llamado “free cinema”. A Tony Richardson, Carel Reisz o John Schlesinger, les salía un competidor inesperado en donde menos se podían imaginar.

Basada en una obra teatral de John Bowles, El coleccionista fue un gran éxito. Las película ha sido imitada y fuente de inspiración para muchos cineastas, entre los que voy a citar a Pedro Almodóvar, cuya película Átame es un clarísimo homenaje a esta obra maestra que uno no se cansa de visionar una y otra vez. Pongo los carteles español, americano y polaco, este último realmente original basado en el pop art, estilo que hacía furor en esos años.

Picnic

2010-06-27T09:22:00.000-07:00

Deseo en una tarde de verano

Carteles de una mítica película de los 50, Picnic, que se basa en una obra teatral de William Inge, un autor “osado” para la época en cuestiones erótico/sexuales, muy crítico con la sociedad americana del momento. A un pequeño pueblo de la América Profunda llega un trotamundos que se detiene allí para visitar a un viejo amigo.

Su estancia levantará todas las pasiones y todas las represiones contenidas y aletargadas aflorarán en una comunidad dominada por un fuerte puritanismo.

William Holden es ese apetecible demonio que hará morder la manzana de la tentación a más de un habitante, provocando en la mayoría (principalmente en las mujeres), una revolución de sensaciones y sentimientos que han mantenido falsamente a raya a base de un fuerte puritanismo y autorrepresión.

Una tarde de picnic, esa especie de ángel caído que parece haber llegado al pueblo a desatar todas las tentaciones, consigue por fin que Migde, una muchacha del pueblo, hermosa y domesticada para ser elegida por su poderoso amigo que es el cacique del lugar, se rebele ante todos sus vecinos y sucumba a poderío sexual del forastero.

Los protagonistas de Picnic nunca estuvieron más atractivos ni desprendieron más erotismo. El baile que vemos en el video entre William Holden y Kim Novak es suficientemente revelador al respecto. Estas secuencias han pasado a los anales de la historia del cine. Ah, dirigía Joshua Logan.

Orfeo Negro

2010-06-13T02:46:00.000-07:00

Amor sin barreras

Orfeo negro es una mítica película venerada ya para siempre por los brasileños pues gracias a ella el país, y en especial Río de Janeiro y sus carnavales, quedaron para siempre en la memora de varias generaciones. En 1960 ganó el Oscar a la mejor película extranjera, pero ya venía de cosechar un clamoroso éxito en el festival de Cannes donde un año antes conquistó la Palma de Oro. Se hizo también con el Globo de Oro a la mejor película.

Dirigida por el francés Marcel Camus, en ella se actualiza a la sociedad brasileña del momento el mito de los amores de Orfeo y Eurídice, y se enmarca en los intensos días de carnaval en la ciudad carioca.

La película aparece hoy bastante envejecida (la he visto no hace mucho) pero su banda sonora sigue conmoviendo y asombrando. Las escenas de carnaval son antológicas y los dos actores, reclutados en las favelas y ajenos al mundo de la interpretación están en estado de gracia.

Curiosamente ambos murieron en 2008 con apenas un mes de diferencia. Habían pasado justo 50 años desde que se pusieron en la piel de los mitos de la Grecia clásica, cuya leyenda no ha podido ser adjudicada todavía a ningún poeta en concreto.

Pongo también un vídeo en el que vemos a dos chiquillos que, tras la tragedia de rigor que esperaba inexorable a estos personajes precursores de Romeo y Julieta, se disponen a revivir esos amores fatales en una especie de ciclo eterno del amor. Los Orfeo y Eurídice cariocos pueden que tengan su segunda oportunidad en esos dos chiquillos, a los que deseamos un futuro de “amor sin barreras”.

Alicia en el país de las maravillas

2010-05-02T13:10:00.000-07:00

El sueño de una tarde de verano

En plena fiebre de la Alicia de Tim Burton no está de más poner tres carteles de la Alicia de Walt Disney. Es sin duda la versión cinematográfica más famosa y la más fascinante.

Rodada en 1951, a España no llegó hasta el 54. Disney quiso rodar Alicia en los años 20 combinando animación e imágenes reales. Quería que Alicia la interpretara Mary Pickford.

Abandonado ese proyecto acabó rodando Blancanieves unos años más tarde, hasta que retomó el cuento de Lewis Carroll ya a finales de los cuarenta.El resultado fue esta maravilla visual llena de imaginación y colorido. Tim Burton ha bebido de estas imágenes adaptándolas a su personal estética, pero el híbrido no ha dado los resultados esperados en lo artístico.
Pongo un cartel francés, dos españoles y un vídeo de la Alicia de Disney platicando con la oruga. Ver la película entera es un placer absoluto. En España se puede comprar el DVD a un precio más que razonable. Merece la pena.

Cuando llegue septiembre

2010-04-18T10:19:00.000-07:00

Bellezas en bellos escenarios

Una película de 1961 en la que Robert Mulligan, un gran director que tocó casi todos los géneros con notable fortuna, dirigió a Rock Hudson en una de sus numerosas comedia s de situación ambientadas en lugares exóticos y lujosos en las que tenía por compañeras a las más bellas actrices del momento.
Aquí le tocó a una pletórica Gina Lollobrígida también en su mejor momento. Ambientada en la Riviera francesa, la película es un festín visual tanto por la belleza de sus paisajes, como por la propia belleza de sus intérpretes, entre los que se incluían a los muy jovencitos Sandra Dee y Bobby Darin, que acabaron casándose tras el rodaje.

La banda sonora es memorable y fue muy popular (todavía lo es) a la vez que versionada por diferentes cantantes del momento. LA PONGO EN EL BLOG DE SCOTTY durate unos días como música de fondo. Pongo también aquí un video de un sugestivo número de baile en el que Rock y la Gina lucen sus atractivos bailando ante la mirada de los no menos cualificados Bobby Darin y Sandra Dee… acompañados por un bailarín posteriormente famosísimo y oscarizado. El que hay con ellos es Joel Grey, el maestro de ceremonias del cabaret de la película Cabaret de Bob Fosse. Sí: el de Money Money junto a Liza Minnelli. El cartel español es, por una vez, bastante peor que el original americano.

Siete novias para siete hermanos

2010-04-17T03:23:00.000-07:00

Los ladrones de mujeres

Carteles español, francés y americano de Sieten novias para siete hermanos, uno de los musicales míticos de los cincuenta y, por tanto, de la historia del cine. Inspirado en El rapto de las sabinas, la acción trascurre en las montañas de Oregón donde siete rudos hermanos leñadores huérfanos necesitan proveerse de mujeres para que les arreglen la leonera que habitan y domestiquen sus modales, amén de alguna que otra necesidad vital.

Un argumento, como vemos, que rezuma machismo, pero que si tenemos en cuenta que se rodó en 1953 y que se trata de un vitalista y festivo canto a la vida y la naturaleza, ni siquiera hoy podemos ponerle los reparos pertinentes a su trasnochado concepto de las relaciones entre hombres y mujeres que, a finales del diecinueve, seguramente sería más o menos como lo pinta la película.

De todos modos, Siete novias para siete hermanos es una película llena de energía y de ritmo, pura delicia, donde sobresalen unos actores bailarines portentosos y unos paisajes naturales impresionantes enmarcados en un glorioso cinemascope y tecnicolor que en los cincuenta estaban en sus momentos de máximo esplendor.

Pongo también un vídeo en el que se recoge parte del baile en que los manos campestres acuden a una fiesta en busca de novia y se disputan a las chicas a base de baile con los civilizados rivales de la ciudad. Quiénes se las llevan al huerto, nunca mejor dicho, ya podemos imaginarlo. Y desde luego no lo hacen de la forma más ortodoxa… No tomar mis comentarios como despectivos pues la película es una pura delicia para los sentidos.

Dos cabalgan juntos

2010-03-30T03:53:00.000-07:00

Dos centauros del desierto

Carteles de una de las mejores películas de John Ford, lo que es decir de una de las mejores películas de la historia del cine.
Una película considerada “menor” en su día, que ha ido ganando prestigio con el paso de los años hasta llegar ser valorada hoy como una obra maestra, que es lo que es.
Todo lo que podría intentar decir de Dos cabalgan juntos ya se dice, y mejor, en el vídeo que se acompaña.

Y la razón de ser de esta blog es la de contrastar carteles de películas más o menos antiguas, en razón de la calidad de los mismos, antes que de la calidad de las propias películas. Aunque sí que se procura que coincidan ambas cosas. Como casi siempre, considero que el cartel español es el mejor.

El pequeño príncipe

2010-03-13T04:49:00.000-08:00

Bob Fosse y Michael Jackson

Ya puestos a hablar de Bob Fosse, vamos a poner unos carteles que son preciosos de una de sus películas más desconocidas, si no la que más, en la que hizo la coreografía y los bailables para El pequeño príncipe, de Stanley Donen. Una película interesantísima que hoy día está considerada de culto y que en su momento pasó muy desapercibida.

Y vamos a ver y descubrir algunas cosas muy interesantes. Basada en el librito de Saint-Exùpery, Le petit prince/The Little prince/El principito, El pequeño príncipe (título de traducción literal dado a la película en España, pero más bien absurdo ya que puede despistar sobre su orígen) es toda un rareza que nos depara alguna sorpresa realmente jugosa.

Bob Fosse se reserva una actuación que, como vamos a ver, es el germen y el modelo evidente en el que se inspiró Michael Jackson algunos años después para conformar su arrolladora y personal forma de coreografiar sus canciones. Si Bob Fosse creó escuela, sólo por ser la inspiración de rey indiscutible del pop ya tendría su altar de honor en la historia de la danza. Pero Bob Fosse fue mucho más, como sabemos.

Viéndolo hacer el personaje de la Serpiente y comprobando cómo en su coreografía y en su caracterización está todo lo que después contribuiría a hacer grande a Michael Jackson, no podemos dejar de admirarnos y concluir que antes de él ya existió Bob Fosse. No se pierdan ninguno de los vídeos y véanlo por el orden en que están puestos. Y después saquemos conclusiones aunque ya el rotulado del segundo nos las deja bien clarito. A disfrutar.

No perderse este vídeo.

Sweet Charity (Noches en la ciudad, otra vez)

2010-03-10T02:32:00.000-08:00

Dulce caridad

Vuelvo con esta entrada a Noches en la ciudad para dejar aquí otro de sus números musicales. La película seguramente no es una obra maestra, pero bastan las coreografías de su director y coreógrafo, el gran Bob Fosse, para que nos detengamos en ella un poco más. Creo que merece la pena ver este sugerente y sofisticado número. Sugerente y sofisticado son dos calificativos que le vienen al dedo a todo lo de Fosse. Su polivalencia en el género tiene pocos precedentes. Sólo se me viene a la memoria el gran Gene Kelly, aunque sean estilos absolutamente diferentes.

En una próxima entrada también vamos a ver bailar a Bob Fosse, pero ahora nos quedamos con este fascinante número y un par de carteles más de la película, para no desvirtuar la razón de ser de este blog, que va de éso. El primero es polaco y capta maravilosamente la estética y el estilo de Bob Fosse. El segundo cartel es belga y no está nada mal.Y aquí abajo, apropiándonos de un título de la filmografía de Fosse... comienza el espectáculo. ¡Con ustedes, The Alohof! Que lo disfruten...

Noches en la ciudad

2010-03-02T08:06:00.000-08:00

Cabiria en Nueva York

Carteles de Swett Charity. En España, Noches en la ciudad.
Se trata de una revisitación del guión de Las noches de Cabiria, de Federico Fellini, esta vez en clave de musical. El adaptador es nada menos que el gran Bob Fosse, admirador del director italiano, al que volvería más tarde con bastante más fortuna en la emblemática y oscarizada Empieza el espectáculo. Empieza el espectáculo tuvo como inspiración a Ocho y medio, tan en candelero ahora mismo por Nine, la versión de Rob Marshall sobre la misma película. Evidentemente las películas de Fellini se prestaban a ser coreografiadas, si nos atenemos a la atención que despertaron en autores teatrales y en estos directores.

Swett Charity no fue un gran éxito ni de público ni de crítica, pero dejó para la posteridad algunos número musicales, auténticas joyas, como este que pongo, titulado El gran Spender. Noches en la ciudad estuvo nominada a tres Oscar: mejor adaptación musical, mejor dirección artística y mejor vestuario, aunque al final no consiguió ninguno.

La venganza

2010-02-21T07:15:00.000-08:00

Romeo y Julieta entre trigales

El cartel español más promocionado.

Carteles de La venganza, una película española que ostenta el honor de ser la primera que de esta nacionalidad llegó a ser finalista en la carrera de los Oscar. Corría el año 1957, en pleno franquismo, cuando España estaba ninguneada y era mirada despectivamente por la comunidad internacional debido a la dictadura. La nominación fue una inyección de moral para levantar el ánimo acomplejado de los españoles y un empuje para la cinematografía del país.

Cartel francés.

Sin embargo, no fue fácil la gestación de esta película. Juan Antonio Bardem era un director respetado y muy admirado en el mundo entero tras haber realizado Muerte de un ciclista y Calle Mayor, dos de las obras más importantes del cine español de todos los tiempos, pero el Gobierno de Franco lo vigilaba de cerca ya que Bardem era un intelectual muy crítico con el franquismo y su cine estaba impregnado de esa crítica. Era tolerado, pero hasta cierto punto. Más que nada porque al Régimen le interesaba no aparecer a los ojos del mundo excesivamente represor.

Cartel español, algo diferente al de más arriba.

La venganza tuvo muchos problemas antes de llegar a buen puerto. Para empezar, la censura franquista masacró el guión previo eliminando cualquier connotación política o social de mismo y dejándolo en un simple problema de enfrentamientos y peleas de clanes debido al enamoramiento de un chico y una chica pertenecientes a bandos enemistados. Romeo y Julieta trasladado a las llanuras manchegas, en el ámbito rural, durante la campaña de recolección del trigo. Para hacernos una idea de lo quisquillosos que se mostraban desde la Administración franquista, decir que una vez que aprobaron el montaje final (tras sufrir nuevos cortes de la censura) la distribuidora fue obliga a cambiarle el título. El título original era Los segadores. Pues bien: eso les parecía intolerable a los censores ya que, según razonamiento de los veladores de las esencias hispanas, se hacía a alusión al "separatista" himno catalán. El título del himno es, por si hay alguien que no lo sepa, Els Segadors.

Pongo este cartel como muestra del cine que hacía Carmen Sevilla y además porque es muy bonito.

En España, la película tuvo otro aliciente muy especial, además de la nominación al Oscar, para llamar la atención del público. La famosísima folclórica andaluza Carmen Sevilla se estrenada con un personaje alejado de las castañuelas y los faralaes y hacia estupendamente su primer papel dramático prescindiendo de peinetas y caracolillos en la frente. En el reparto, nada menos que actores de la talla de Raff Vallone (Italia tenía una discreta coproducción), Jorge Mistral, Francisco Rabal, Fernando Rey, Conchita Bautista (otra folclórica que renegaba puntualmente de las batas de cola), Manuel Alexandre… Ah, el Oscar de aquel año fue a parar a Francia y a Jacques Tati por Mi tío.

Androcles y el león

2010-02-08T07:16:00.000-08:00

La espina milagrosa

Programa de mano español. Eran esos affiches pequeñitos que se repartían como propaganda o se entregaban juntos con la entrada, en la taquilla. Me parece más bonito que el cartel.

Carteles de Androcles y el león, película de 1952 rodada en espectacular colororido. Un año después, un nuevo formato de pantalla, el cinemascope, sería inaugurado con La túnica sagrada y con un enorme éxito. El peplum en todo su esplendor antes de que en Europa se le acuñara tal nombre a las películas de romanos. Con Androcles sólo se pretendía seguir explotando la fórmula y el género de películas históricas “de los tiempos de Cristo” y el género venía que ni pintado por sus decorados de cartón piedra, vestimentas y argumento. Tras acabar la segunda guerra mundial el fervor religioso hacía furor en Estados Unidos y Hollywood no se sustrajo a tal tendencia.

Cartel americano

En España, por razones obvias, más todavía ya que la dictadura en colaboración con la Iglesia Católica imponía ese arrobamiento místico y el pueblo lo asumía. Una parte, por pertenecer al bando ganador y el resto para mimetizarse con el entorno social y sobrevivir y por que el sentimiento religioso era algo innato en cualquier español. De todos modos, los vencedores y su aliado religioso, La Iglesia por supuesto, imponían las costumbres y los gustos.

Cartel francés

Androcles y el león cuenta la aventura de un esclavo cristiano (Alan Young) que en un encuentro con un león herido que llevaba clavada una gran astilla en una pata, se hacen amigos al arrancarle el esclavo la espina que lo martirizaba inutilizándolo. Tiempo después el esclavo cristiano es apartado para servir de comida a los leones en el Coliseo, la gran diversión del pueblo romano en esa época.

Cartel español

Cuando, los esclavos están en el coso y lo leones son soltados, un león se acerca a Androcles y le lame la mano defendiéndolo de las demás fieras. La que se arma en las gradas es de suponer. No qué decir tiene cómo tocaba la fibra popular una película con semejante argumento. Fue un gran éxito, como no podía ser menos. En ella vemos a Jean Simmons, recientemente fallecida y habitual de este tipo de películas debido a su dulzura y cándida belleza.

El tercer hombre

2010-01-31T11:46:00.000-08:00

En las cloacas de la moral

Cartel español

Vamos ahora con carteles de El tercer hombre, la antológica película de Carol Reed. Bueno… Carol Reed la firma en solitario, pero es de todos sabido la gran aportación de Orson Welles a los resultados finales, que no se limitó sólo a su actuación como actor. Basta conocer obras anteriores suyas como Ciudadano Kane, El cuarto mandamiento o La dama de Shanghái para reconocer su estética y su estilo narrativo.
Cartel americano

En El tercer hombre se conjugan magistralmente la puesta en escena de un preciso guión firmado por Graham Greene, que fue requerido especialmente por los productores para que conformara una historia que transcurriera en una Viena reducida a escombros, ocupada y dividida por las distintas fuerzas en liza en la segunda guerra mundial.

Cartel alemán

El tercer hombre fue todo un suceso y durante muchos años fue considerada en sucesivas votaciones como la mejor película inglesa de todos los tiempos. No sé si perdió por fin ese galardón y cual pudiera ser la película que la haya destronado. No importa, porque El tercer hombre sigue siendo una obra maestra absoluta y todo en ella es de antología: guión, dirección, puesta en escena, fotografía, música, interpretación…

Affiche de prensa español

Escenas como las persecuciones por las cloacas de la ciudad, la aparición del personaje de Welles (Harry Lime) delatado por un gato bajo la luz de una lúgubre farola, las secuencias en la gran noria emblema de la ciudad, el paseo de Valli (así se llamaba entonces Alida Valli, simplemente “Valli” como podemos ver en el cartel original) a lo largo del interminable camino de un cementerio, donde pasa de largo ante Joseph Cotten (podemos verla en el MixPod de la izquierda)… La música de Anton Karas (que escuchamos mientras leemos este comentario…) Genial película para ver una y cien veces, y fantásticos carteles para admirar. El español es muy especial.

El estrangulador de Boston

2010-01-27T14:48:00.000-08:00

El fontanero de las señoras maduras

Carteles de El estrangulador de Boston, una película de Richard Fleischer que presentaba a Toni Curtis en un registro insólito en su carrera, dando vida a un famoso asesino. La película fue toda una sorpresa en su momento (1968), no sólo porque el público descubriera a un Toni Curtis que nadie se esperaba. Curtis demostró que podía hacer la transición de galán y de estrella a la de simplemente actor con un papel que bordó para el pasmo de los espectadores.

Y, como digo, El estrangulador de Boston no sorprendió solamente por presentar a un “nuevo” Toni Curtis, sino que también Fleischer consiguió su película más reconocida en la que además creaba escuela al instaurar el sistema de pantalla fraccionada para recrear distintas fases de la narración. No se trataba de dividir la pantalla al estilo de las comedias de Doris Day y Rock Hudson en las que se veían a los personajes hablando por teléfono con media pantalla para cada uno. Aquí se fraccionaba en varias cuadrículas y en cada una de ellas se desarrollaba la acción en distintos tiempos. El resultado fue brillantísimo. La película narra los asesinatos y violaciones de trece mujeres de edad avanzada que se llevaron a cabo en la ciudad de Boston entre 1962 y 1964. El terror en que estaba sumida la ciudad en ese tiempo finalizó con la detención de un amable fontanero de la ciudad que llevaba una vida intachable y anodinamente rutinaria. Unos años después, Fleischer volvería a ofrecer otra obra maestra del género abordando otro caso real ocurrido en Inglaterra y que se tituló El estrangulador de Rillingston Place.

Pongo carteles de Francia, Bélgica, Estados Unidos y España.

Colinas ardientes

2010-01-21T07:25:00.000-08:00

Ardiente juventud

Foto en la que parece que se inspiraron para dibujar los carteles.

Carteles de Colinas Ardientes (español, americano e italiano), un western de los años cincuenta que es recordado más que nada por la explosiva pareja que lo interpretó: Tab Hunter y Natalie Wood, ambos muy jóvenes, que irradiaron una química más allá de la meramente interpretativa. He empleado la palabra explosiva, pero quizás había que emplear erótica. Un erotismo candoroso, juvenil y romántico, eso sí. Los dos aparecieron aquí en la plenitud de sus atractivos físicos.
Otro de los atractivos de Colinas ardientes fue el fantástico uso del paisaje: praderas abiertas, montañas lejanas e infinitas… retratadas en un estridente colorido y un espectacular cinemascope. La pareja de protagonistas y la utilización de estos recursos fueron los artífices de que Colinas ardientes conociera un importante éxito de público.

En realidad el argumento era lo de menos y la dirección de Stuart Heisler tan artesanal y convencional como tenía por costumbre. Pero merece la pena recordar estos carteles (el español, como siempre, el que más me gusta) y recordar a Natalie y a Tab.

Se dijo que entre ambos había surgido romance, algo poco probable ya que Tab Hunter se confesaría después homosexual. Pero el público siempre respondía positivamente al tópico de la pareja de actores que se enamora. En este caso hacían una espléndida pareja… al menos en la ficción.

Con faldas y a lo loco

2010-01-18T08:18:00.000-08:00

Nadie es perfecto

Con faldas y a lo loco (1.959) es una de las comedias más divertidas de toda la historia del cine. Willy Wilder y su colaborador habitual en los guiones, I.A.L. Diamond, estuvieron en estado de gracia (cuándo no lo estuvieron mientras trabajaron juntos) y consiguieron una absoluta obra maestra del género. En estado de gracia estaban también todos los actores. Basada en uan pelícla alemana de 1951, Fanfaren der lieben, Con faldas y a lo loco juega magistralmente con el equívoco que más nos suele hacer reír, el sexual y de género. Dos atribulados jóvenes músicos se ven obligados a hacerse pasar por señoritas para poder integrarse en una orquesta femenina, única manera de escapar de un gánster trasunto de Al Capone, “Botines Colombo”, que pretende liquidarlos al haber sido testigos de una matanza llevada a cabo por su banda.
Marylin nunca estuvo más hermosa y sexy ni más ingenuamente encantadora. Los números musicales que interpreta crearon escuela. La película, llena de frases ingeniosas y mordaces, se cierra con una que quedó como un clásico que todo el mundo cita y recuerda: “Nadie es perfecto”. No voy a extenderme a explicar aquí por qué resulta tan ingeniosa y divertida una frase en principio tan corriente. Todos hemos visto la película y lo sabemos. Y quien no la haya visto que la busque raudo y veloz y no se la pierda por nada del mundo.

Y como de lo que va el blog es de carteles de cine, decir que de esta película conozco decenas de ellos diferentes, pero como tengo que seleccionar tres, me quedo con uno de los originales USA, otro de los que se hicieron para la película en Italia y, por supuesto el que más me gusta de los que España se confeccionaron para publicitar la película en nuestros cines. Aquí no vale decir que nuestro cartel es el mejor. ¿O tal vez sí?. Pero,qué me decís de los otros dos…

Agente 007 contra el Dr. No

2010-01-12T08:27:00.000-08:00

Licencia para matar y… seducir

Cartel español

Dr. No (en España, Agente 007 contra Dr. no) es una película que abre no sólo una saga que dura hasta hoy con más de veinte títulos en su haber, sino que abre también todo un género: el de espías y agentes secretos. Realizada en 1962, adaptaba como todos sabemos una novela de Ian Fleming. 007 ya era muy famoso entre los lectores de novelas de espionaje y su traslado al cine no preveía la enorme repercusión que tendría el personaje en las pantallas y mucho menso que fuera el inicio de la saga más popular y la más rentable que sobre un personaje se ha hecho en cine.

Cartel norteamericano

Todavía hoy la saga sigue tan viva como en sus comienzos y a lo largo de todos estos años han sido varios los actores que han encarnado el personaje. Es verdad que ninguno ha conseguido superar al actor original, Sean Connery, aunque algunos le dieran al agente con licencia para matar entidad propia como ocurrió con Roger Moore y, en cierto modo, Daniel Craig que con sólo dos películas ya casi nadie ahora se imagina a 007 con otra cara que no sea la suya.

Cartel francés, con título muy similar al español

Pero como hablamos e carteles principalmente, decir otra vez que los españoles destacaban casi siempre por imaginativos y artísticos. Este que contrastamos con lo de otras dos nacionalidades, como siempre, es otra prueba de lo que decimos y eso que he elegido los mejores de los que podía disponer. Como curiosidad, decir que en Japón, cuando doblaron la película a su idioma, entendieron el título, Doctor No, como una negación a una asistencia médica y la titularon No al doctor. Inmediatamente rectificaron nada más darse cuenta y tuvieron que anular los carteles de promoción ya impresos e imprimirlos nuevamente.

Salomon y la reina de Saba

2010-01-03T08:19:00.000-08:00

Los pechos de la Gina

Carteles del año 1959, en pleno apogeo del cine como espectáculo con películas de esplendoroso colorido, grandioso Cinemascope y temas exóticos y de la antigüedad. El motivo de la proliferación de estos temas era obvio: sus posibilidades para multiplicar el espectáculo estaban en decorados, vestimentas y batallas. También eran los años de máxima creatividad de los cartelistas. Las películas muchas veces no daban la talla. Era el caso de Salomon y la reina de Saba, que resultó ser una especie de peplum a la americana y no una película con seriedad o rigor histórico.

La película se rodó en España e inicialmente el protagonista era Tyrone Power. Cuando ya el rodaje llevaba cierto trecho, el actor tuvo una fulminante angina de pecho mientras descansaba en su suite del hotel madrileño donde se alojaba. Fue sustituido precipitadamente por Yul Brinner. En España, haciéndose gala de nuestro proverbial gracejo, se extendió una especie de juego de palabras, o greguería, que por entonces hacía furor con la coletilla inicial de “No es lo mismo…” En referencia a la muerte del actor alguien se inventó: “No es lo mismo morirse de una angina de pecho que de… un pecho de la Gina”.

Los carteles son: español, francés y argentino. Este último, además de por parecerme muy bueno , lo pongo como homenaje a los seguidores argentinos del blog a los que aprecio especialmente por los estupendos blog de mis amigos de allí y por la atención que dispensan al mío.

Historias de terror

2009-12-30T12:07:00.000-08:00

Poe por partida triple

En España se proyectó con dos títulos, algo nada infrecuente en esos años. Carteles españoles.

Carteles de una película típica del Roger Corman de los años sesenta, cundo emprendió la producción de una serie de películas basadas en relatos del maestro del género Edgar Allan Poe. Fueron películas de muy escaso presupuesto, que se rodaban en menos de una semana y que utilizaban los mismos decorados reciclados para cada ocasión y que se valían de prácticamente el mismo equipo artístico, incluidos los actores que variaban en muy escasas ocasiones. Vincet Price uno de los más recurrentes. Los resultados artísticos eran sorprendentemente notables y la serie ha quedado como un clásico de culto.

Cartel italiano

En Historias de terror, Corman adaptaba tres relatos cortos muy conocidos. Morella: Un hombre vive obsesionado con la creencia de que su propia hija fue la culpable de la muerte de su esposa. El gato negro: Un marido se venga de su mujer y de su amante emparedándolos vivos en un sótano. El caso del Dr. Valdemar: Un hechicero echa una maldición a un inocente por unos hechos que sabe que no es culpable de los mismos y el hechizo se vuelve contra él.

Cartel norteamericano

La adaptaciones son muy libres y no se atienen fielmente a la letra de los relatos de Poe, pero captan prodigiosamente su espíritu. Tres pequeños relatos que son tres grandes obras en una película a revisar una y otra vez. Tres carteles fantásticos.

Bonnie and Clyde

2009-12-16T07:57:00.000-08:00

Adorables asesinos

Vamos ahora con carteles de uno de los thrillers más impactantes de la historia del cine. Realizado en 1.967 Bonnie y Clyde recupera el género que hizo furor en los cuarenta, década en que se encuadran las mejores películas del género. Estamos ante la biografía magnificada para el cine de una pareja de delincuentes, atracadores y asesinos, que en los años 30 asolaron los Estados Unidos con gran cantidad de atracos, otros delitos y varias muertes. Eran años de depresión y de penalidades para muchos americanos que vieron en la pareja a unos héroes capaces de enfrentarse a una sociedad dominante e injusta, asumiendo sus actos como una huída hacia adelante en una situación de frustración, de marginación social y de miseria. Su historia de amor apoyo esa magnificación que culminó con la muerte violenta de ambos en una emboscada policial sin precedentes. En la foto pequña, los auténtcos Bonnie y Clyde. Como se puede ver, una pareja muy atractiva lo que contribuyó a su mitificación.
La película supuso el encumbramiento del director, Arthur Penn y de sus cinco protagonistas, Warren Beatty, Faye Dunaway, Gene Hachman, Michael J. Pollack y Stelle Partsons. Los dos últimos obtuvieron óscar. La música fue un hit tal como era habitual en los sesenta y cantada con la letra adecuada correspondiente consiguió encumbrase al número uno de las listas de ventas durante bastante tiempo.

El cartel español, imprescindible en este blog, que va de ellos, se acompaña del alemán y del danés, que los elijo en detrimento dl original americano, por parecerme mucho mejores. Por este orden los podemos ver de arriba abajo.

Locura de amor

2009-12-05T13:37:00.000-08:00

Locuras históricas

Vamos ahora con tres películas distintas para un mismo tema. Estamos ante uno de los hechos históricos que más juego han dado en el cine español. La hija de Isabel la Católica, Juana, es casada por intereses de estado con Felipe el Hermoso y la muchacha se enamora de su marido impuesto, un calavera, hasta enloquecer de celos.

La película de José Ramón Larraz es pura y llanamente un bodrio vergonzante al estilo de las ramplonas parodias pseudoeróticas que se llevaban en los primeros setenta. Anacronismo, vulgar erotismo y referencias a la actualidad más amarilla del momento ( hay que leer detenidamente el cartelito) y la presencia de… ¡Lola Flores!, ya muy entradita en años, en el papel de Juana. Para morirse de vergüenza.

Vicente Aranda es otra cosa. La película tiene una calidad estimable en todos los sentidos: recreación histórica, riguroso guión, actores formidables… Pilar López de Ayala ganó la Concha de Plata en San Sebastián y el Goya a la mejor actriz.

Y la de Juan de Orduña, otra versión muy diferente, fue la primera. Eran los años cuarenta y el cine español rezumaba patriotismo y cartón piedra en infinidad de películas “históricas” en las que la exaltación racial y el nacionalismo franquista era el mensaje recurrente en todas. El grueso del público, ni entendía ni quería entender otra cosa que el deleitarse con el espectáculo de cartón piedra y los dramas y desamores de la protagonista. No voy a detallar el reparto pues se puede leer en el cartel. Locura de amor fue uno de los grades éxitos del cine español de la época.

Los carteles los pongo inversamente proporcional a los comentarios. Ya que el mejor es, sin lugar a dudas, el de Locura de amor. Estamos en pleno esplendor de los cartelistas españoles de los habidos en toda la historia del cine y Cartel Nostalgia pone los otros dos como meramente ilustrativos del tema.

Una mujer marcada / La mujer marcada

2009-11-26T14:30:00.000-08:00

Fatídico visón

Butterfield 8 (en España, Una mujer marcada/La mujer marcada, se promocionó de las dos formas) es una película que tuvo un gran éxito a principios de las sesenta gracias a que Liz Taylor lucía en ella con una belleza y una seducción que ya no logró superar en ninguna otra película. Además, el tema para aquellos años resultaba sumamente escabroso.
Una prostituta tiene un ataque de dignidad y quiere dejar de cobrar a un cliente fijo del que se enamora. Cuando, dispuesta a redimirse, trata de conseguirlo, la mujer de él desbarata sus planes y, la pobre, no pude soportarlo más, sufre lo indecible y acaba en tragedia. Y todo se lía por un fatídico abrigo de visón. En esos años, la que se dedicaba al oficio más viejo del mundo no tenía posibilidad de redención, al menos en el cine

La película es de una medianía aplastante, pero la Taylor embelesó no sólo a las plateas sino que los miembros de la Academia del Cine la votaron en masa y le concedieron un óscar a la mejor actriz. Más bien sería al mejor cuerpazo y a la más guapa. Y eso que la aceptó ssolo para que le dieran trabajo a su entonces marido, Eddie Fisher. Años después Liz Taylor conseguiría otro óscar, esta vez menos cuestionable, por su papel en el traslado a la pantalla un dramón del dramaturgo Edward Albee, ¿Quién teme a Virginia Wolf?, donde tambien coincidió con otro marido, Richard Burton.

Carteles Español, americano e italiano de la película. En Francia y en Italia la titularon La venus del visón. Muy original. Para mi gusto, como casi siempre, el mejor es el español.

Como casarse con un millonario

2009-11-22T11:26:00.000-08:00

Tres cazafortunas cazadas
Famosa comedia de 1953 en la que tres chicas dedican todos sus esfuerzos y sus artimañas para cazar un marido rico. Naturalmente, acabarán entendiendo que el amor es más importante que el dinero antes de llegar a las últimas consecuencias.
La película fue un gran éxito en el mundo entero gracias a una habilísima utilización de factores que en los primeros 50 calaban enormemente entre el público. Lujo, comedia, colorido, cinemascope y… tres chicas protagonistas en el estado máximo de gracia y de belleza.

Carteles español e italiano. Y de regalo, esta fantástica foto de Marylin.

Marylin Monroe se reveló aquí como la gran estrella sexy que fue a partir de entonces, y como una gran comedianta. Sólo por ella es imprescindible ver esta maravillosa comedia, a pesar de que hoy resulte candorosamente simple. Lo que no ha mermado para nada el trabajo y la presencia de una Marylin que ya no bajaría ni un peldaño en su ascendente carrera hacia el estrellato.

Una trompeta lejana

2009-11-18T10:25:00.000-08:00

Entre tres amores
Aquí, carteles de la última película firmada por el gran Raoul Walsh. Un western en estado puro que fue mal acogido por la crítica, pero que a día de hoy está plenamente reivindicado. Se le criticó que tuviera un reparto demasiado “blando” para unos personajes que destilaban una gran rudeza. El argumento, la conquista del lejano oeste, habla por sí solo de que los hombres y mujeres de aquellos tiempos y lugares no podían ser encarnados por actores que estaban más que vistos en películas y series de televisión que contaban cosas de los niñatos de los años sesenta.
Troy Donahue era uno de los máximos ídolos de las jovencitas en películas como Parrish o Summer Place (en España, En una isla tranquila, al sur). Suzanne Pleshette era otra jovencita en la misma onda, cuyo papel más recordable es el de la maestra enamorada de Rod Taylor que acaba picoteada hasta morir en Los pájaros, de Hichcock. Diane McBain, tres cuartos de lo mismo: se lanzó como respuesta a jovencitas ingenuas que ya dejaban de serlo (su modelo más evidente fue Carroll Baker) e, incluso, se la intentó transformar en una réplica de la mismísima Marylin Monroe.
Aun teniendo -es verdad-, a unos actores tan inadecuados, Una trompeta lejana fue un dignísima despedida del cine del gran Raoul Walsh. Estamos ante un western lleno de brío en el que un oficial del ejército americano se debate entre el deber y dos mujeres (una de ellas casada) donde los paisajes y el uso del sistema panavision jugó un papel decisivo en su acabado. Eran tiempos en que la fotografía de cine se cuidaba tanto o más que otros apartados de la producción. El panavision estaba en pleno apogeo y aquí luce esplendoroso.

Las tres caras del miedo

2009-11-12T08:04:00.000-08:00

Kaleidoscopio de terror
Las tres caras del miedo es un film de culto de Mario Bava, un director que tiene el honor de haber iniciado todo un género cinematográfico, el ”giallo”, con la emblemática Seis mujeres para el asesino, cuyos carteles vamos a poner aquí también.

Estamos ante una película de sketches que aborda tres historias de terror ambientadas en distintas épocas. Fue, en el momento de su estreno, toda una sorpresa.
Terrorífica a la manera más clásica, de suspense insoportable y de terror psicológico según cada sketch, los tres son pequeñas obras maestras del género.

Carteles: español (1) francés (2) y americano (3)

Tierras lejanas

2009-11-08T13:02:00.001-08:00

Hacia los grandes horizontes

Cartel español

Cartel argentino

Cartel italiano

Uno de los western más emblemáticos del Anthony Mann, lo que quiere decir más emblemáticos del género. Mann hizo dos películas sobre la "lejanía" a la que se enfrentaban los pioneros de la colonización americana. La otra, Horizontes lejanos, también interpretada por su actor fetiche, James Stewart y ambas, dos obras maestras. Pondremos los carteles de la segunda, más adelante.

Cleopatra

2009-10-31T13:34:00.000-07:00

Una película faraónica, con un gasto faraónico
Carteles de Cleopatra, versión de Joseph Mankiewicz, que fue su día la película más cara de la historia del cine y que todavía hoy sólo ha sido superada en coste por Piratas del Caribe, ateniéndonos al gasto y al valor del dinero en cada época.

La película, que fue comenzada por Robert Maomulian y con Dorthy Dandrige, Peter Finch y Stephen Boyd como protagonistas, acabó e con un equipo artístico totalmente diferente, descartándose lo rodado hasta entones.

Además, durante el rodaje, Liz Taylor enfermó y hubo que suspender durante meses. Haciendo ésta película se conocieron Liz Taylor y Richard Burton iniciándose una historia de amor que duró hasta la muerte del actor, con intervalos de varios divorcios y nuevos casamientos. La película fue un importante éxito artístico y de público, pero no logró recuperar la enorme inversión que generó su rodaje y estuvo a punto de llevar a la ruina a la Fox.

Carteles de USA, Italia y España

Buenos días, tristeza

2009-10-28T16:00:00.000-07:00

Despertar a la vida

Buenos días, tristeza, fue la sensación literaria de los años cincuenta. Una novela escrita por una adolescente, Françoise Sagan, escandalizaba a medio mundo con las confesiones íntimas de una muchacha francesa que narra sus relaciones con su propio padre, las amantes de su padre, y lo que acabará siendo su primer amor. La novela, impregnada de un erotismo provocador para la época (con connotaciones incestuosas incluidas), no tardó en ser llevada a la pantalla por Otto Preminger.

La película no fue el éxito que se esperaba, pero descubrió a una jovencita, Jean Seberg, que no aprovechó toda la gloria que se le ponía por delante y sólo pudo dejar huella en otro Preminger, Juana de Arco, y en la mítica Al final de la escapada, de Jean Luc Goddard, para acabar siendo comparsa de… ¡Marisol! en un bodrio español titulado La corrupción de Cris Miller, película que mejor sería no recordar que estaba dirigida nada menos que por el Juan Antonio Barden de Muerte de un ciclista y de Calle Mayor. La Seberg no fue capaz de superar su fracaso y víctima de una depresión se quitó la vida algunos años después.

Pero aquí, de lo que se trata es de admirar la calidad de los carteles que se hicieron para publicitar esos buenos días que le dio a la tristeza, en la versión cinematográfica de la novela de Françoise Sagan. Observemos que en el reparto está la Mylène Demongeot que ya hemos “biografiado” en el blog hermano de éste, Cinebiografías.

De arriba abajo, cartel italiano, francés y español. Obsérvese que en el cartel francés se da prioridad a la imágen y, en cierta medida, al nombre, de... Mylène Demongeot, en la película con un papel simplemente secundario.

Cuentos de la Alhambra

2009-10-12T13:13:00.000-07:00

Las mil y una noches... en Granada

Tres carteles impagables de la película de 1950 Cuentos de la Alhambra. Hubo otras versiones del clásico de Washington Irwing (hasta hubo una con... ¡Merle Oberon! y Francisco Rabal), pero ésta es la más entrañable. La gitanilla que se inventa mil y una tretas para que su padre no la case con viejo payo acomodado no podía ser otra que Carmen Sevilla. Y es que, Carmen Sevilla era la quintaesencia de la belleza, la gracia y el desparpajo de las andaluzas y, por ende, fuera de España, de las españolas.

Ya hemos visto más abajo que también le hizo carantoñas y gracietas a Vittorio de Sica, para regocijo del público adicto a Pan, amor y... Y es que, Carmen Sevilla pasará a la historia del cine español como la más genuinamente española (andaluza), a la vez que internacional, de todas las "mi arma" que fueron, desde la posguerra hasta ahora mismo. No es casualidad que todavía la veneremos siendo una viejecita llena de juventud, como inefable presentadora de un programa de televisión, donde nos trae al recuerdo con su inmarchitable gracejo el cine más casposo de su tiempo.
Pero bueno, se trata de comentar los carteles y aquí se comentan solos. tres preciosidades de una misma película, dibujados en la frontera de los estilos que imperaban hasta finales de los cuarenta, y el comienzo de una nueva concepción "más moderna" del cartel, que nacía justo al principio de los cincuenta.

A pleno sol

2009-10-12T09:01:00.000-07:00

La justicia en manos del azar

Aquí, el cartel español de la gran película de René Clement, A plenos sol, acompañado del cartel inglés realizado para una reposición del año 1997. Podemos ver perfectamente el cambio de estilo de los años sesenta, hasta el de los 90. Ya se utiliza en la segunda la fotografía para confeccionarlos, pero todavía se conserva el regusto por la composición y la simetría. Aun pudiera muy bien ser pintado. Hoy, diez años después, la concepción del cartel de cine ya es muy diferente.
A plenos sol fue un exitazo mundial y la consagración definitiva de Alain Delon. Como sabemos, se basaba en la novela de Patricia Highsmith El talento de Mr. Ripley que fue versionada no hace demasiado por Anthony Minghella, con Matt Damon en el papel que hizo Delon, y Jude Law, en el que hizo Maurice Ronet. Siendo ésta última una buena película, la de René Clement la superaba con creces. Una maravilla que no se puede dejar de ver.

12 hombres sin piedad

2009-10-11T09:42:00.000-07:00

Las incertidumbres de la Justicia
Estamos ante una obra maestra del cine. Doce hombres sin piedad fue el debut en la pantalla grande del director Sidney Lumen. Adaptaba una obra teatral en la que un jurado debe decidir si un reo es culpable de asesinato. Todos los actores que intervinieron en ella acabaron siendo grandes, si ya no lo eran, como el impresionante Henry Fonda.

Vemos en el reparto a Ed Begley, padre de Ed Begley, Jr. Al que actualmente podemos ver en la obra maestra de Woody Allen, Si la cosa funciona.

El cartel español, de nuevo, mejor que el original americano. ¡Qué grandes eran los cartelistas españoles!

El graduado

2009-10-11T06:54:00.001-07:00

Ésta suegra es un demonio

En 1.967 la sensación en las pantallas de medio mundo fue El graduado. Para la época, esta película era un atrevimiento. No digamos para España, inmersa en plena dictadura franquista. Aun así la película fue estrenada con la calificación expresa de gravemente peligrosa, advertencia que se hacía desde las iglesias a la ciudadanía para que optara por pecar, o no pecar, viendo, o no viendo la película. Por supuesto, estaba prohibida la entrada a los cines a los menores de 18 años.

Qué muchacho de la época no se quiso identificar con Dustin Hoffman, puesto en el dilema de ponerle los cuernos a su novia con su madre, o sea, su suegra, una lagartona atractiva e inmoral que se había propuesto pasarlo por la piedra antes que su propia hija, con música de fondo de Simon y Garfunkel.

Vista hoy la película, ni es una maravilla cinematográfica, ni turbaría a ningún muchacho en semejante situación de lo absolutamente ingenua que es en sus planteamientos. ¡Qué tiempos aquellos!

Pongo dos carteles: uno americano y otro español.

La muchacha que sabía demasiado

2009-10-11T03:10:00.000-07:00

¡Qué susto más rico!

En el 63, Mari Bava estaba en pleno apogeo de éxito con sus personalísimos giallos, donde las protagonistas de sus películas eran acosadas implacablemente por el asesino misterioso de turno. La sangre y el sadismo, la tensión constante en las persecuciones (preferiblemente nocturnas y por calles oscuras y solitarias, o en casas alistadas e igualmente vacías) eran la nota recurrente siempre, además de un uso estridente del color con intensos azulados nocturnos y rojos estridentes que eran usados como obvia simbología de la sangre, muy abundante, que inevitablemente acabada ofrendando la desvalida señorita elegida por el asesino.

Eran (son) películas hechas para disfrutar, dando rienda suelta a los instintos más reprimidos del espectador. ¡Qué susto más rico!, se podría decir. Bava fue el creador de un género que tuvo infinidad de seguidores. Darío Argento puede ser su más aventajado alumno, pero estaban también directores como Lucio Fulci, Umberto Lenzi y otros que no se quedaban cortos. En España, el género arraigó con fuerza y tuvimos también grades películas adscritas al modelo giallo, con directores como el argentino León Klimowskly, Lara Polop o José Ramón Larraz, entre bastantes más.

El cartel de La muchacha que sabía demasiado es lo bastante ilustrativo.

Pan, amor y... fantasía, celos y Andalucía

2009-10-08T06:00:00.000-07:00

Pan, amor y erotismo, en los años cincuenta

Pan, amor y fantasía fue un gran éxito del cine italiano a escala mundial y lanzó al estrellato a Gina Lollobrígida. Explotaba las cándidas esencias raciales de la Italia rural de entonces, los años cincuenta, contrapuestas a las intrigas que las gentes de la ciudad despliegan para conseguir según qué fines. Aquí un Jefe de carabineros enamorado de una rebelde y ruda campesina, la Gina (como se la llamó desde entonces), y sus subterfugios –divertidísimos, claro-, para llevarse al huerto, nunca mejor dicho, a la explosiva campesina de temperamento rebelde.

Fue tal el éxito de la película, que tuvo una continuación explotando los mismos recursos, que se llamó Pan, amor y celos. Y como el filón todavía podía dar más de sí, sobre todo en España donde las dos películas habían sido una sensación, pues se ideó seguir con el rollo en nuestro país. La temperamental y racial paisana no podía ser en España otra que Carmen Sevilla. De todos modos, el filón ya debería estar agotado pues no tuvo, ni de lejos, la repercusión popular de las dos películas italianas.

También pongo dos carteles distintos de los panes y amores españoles (andaluces), por ser muy ilustrativos. Como podemos advertir, al ser una coproducción, los carteles difieren no sólo en el diseño, que resaltan sutilmente características propias del país a que se dedica su exhibición, si no que, y esto es lo importante, en el español, se resaltan los nombres de los actores españoles, y en el italiano, el de los actores italianos. A mi, personalmente, me gusta más el cartel español.

Pero aun no había acabado el filón de los panes y de los amores. Todavía quedaba que Sofía Loren luciera con cuatro trapos encima viéndose acosada (elegante y divertidamente, eso sí) por el viejo verde de Vittorio de Sica. Pues nada: ésta vez ponemos en el título la frase célebre de "pan, amor y", le añadimos puntos suspensivos y que cada espectador le ponga la coletilla que prefiera. Mi título personal para la peli de la Loren sería: Pan amor y... pechugona.

El amor llamó dos veces

2009-10-06T11:37:00.000-07:00

Entre dos amores
Esta película d George Stevens va de una muchacha que tiene que compartir piso con dos hombres... y tiene que elegir. Fácil adivinar con cual de los dos se queda ¿no? Es del año 1.943 y ganó el óscar al mejor actor de reparto para Charles Coburn.

Un cartel español muy típico de la época, con los rostros de los protagonistas en primerísimo plano iluminados de amor.

Robinson

2009-10-04T10:44:00.000-07:00

Los mejores años de Horst y Romy
Titulada tambien Robinson no debe morir, ésta película alemana de 1.957 unía a los dos actores más famosos del país en sus máximos momentos de esplendor físico (aunque Romy era austríaca de nacimiento), en una historia sobre unos manuscritos de Robinson Crusoe, encontrados después de su desaparición. Un cartel muy bonito, de una película que es toda una rareza.